RECRE'ARTE de Amalia Granero

" E L    A  R  T  E     E  S     U  N  A    H  E  R  I  D  A      H  E  C  H  A      L  U  Z "


Efectivamente, esta cita es del pintor Georges Braque . Y añadía : "Necesitamos esa luz, no solo los que escribimos o pintamos o componemos música, sino también los que leemos y vemos cuadros y escuchamos un concierto".

Es cierto que todos somos sensibles a la belleza y, sin duda, crear belleza o contemplarla produce bienestar, embellece la vida, le da mayor sentido, la hace más llevadera . Crear, en este caso, pintar,  es entrar en otra dimensión : como todo arte, parte del diálogo interior , del bagaje emocional, de la experiencia de vida y conocimientos acumulados   y de cómo percibimos el mundo. Por ello, puede haber un deseo de embellecer pero también de criticar, denunciar, plantear el absurdo o sinsentido del mundo. Así, decía  Nietzsche :"Contamos con el arte para que la realidad no nos destruya".

En definitiva, todo artista  suele estar en desacuerdo con el mundo y crea su propia utopía , es decir, ese "no-lugar", desde el punto de vista etimológico, ese lugar ideal, por lo tanto, inexistente donde caben la fantasía, la invención, la imaginación, el sueño o la ficción.

PRÓXIMA EXPOSICIÓN DE PINTURA 
DEL 16 de SEPTIEMBRE al 1 de OCTUBRE de 2017

Ateneo Mercantil de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 18 
VALENCIA

Horario al público: de 17 a 21 h, de lunes a domingo.

UNA NUEVA IMAGEN.
                                      UNA NUEVA LUZ.

ANTONIO GAUDÍ: “YO SOY GEÓMETRA, QUE SIGNIFICA SINTÉTICO”.

Los clásicos son universales e infinitos de ahí que  esta exposición pretende ser un acercamiento, una interpretación  desde nuestra perspectiva actual de una importante muestra de  los grandes maestros de la pintura: Leonardo da Vinci, Alberto Durero, Caravaggio, Tiziano, Paolo Veronese, Nicolas  Poussin, Francisco de  Goya,  Johannes Vermeer,  Giambattista Tiepolo.

Mi línea de trabajo pretende explorar el misterio que subyace en la pintura de estos grandes maestros , indagando en su composición y en la maestría del color aportada a la Historia del Arte por su obra , referente indispensable para los artistas modernos. Tal y como señala Gaudí en la cita arriba mencionada, mi enfoque parte de un análisis de la forma que la descompone geométricamente en planos de color : una síntesis, como primera abstracción, que da lugar a un facetado. En cada faceta o plano se produce, a su vez, otra síntesis, es decir, la elección de un único color saturado que logre condensar, con la misma fuerza expresiva, las distintas capas transparentes superpuestas de pintura que utilizaban los grandes pintores y mediante las cuales lograban los potentes contrastes de luces y sombras, riqueza de matices y  la vibración de los colores. 

En esta subjetiva  geometrización hay una voluntad de fusionar tradición e innovación .Mi  personal perspectiva  desdramatiza, precisamente, la escena o el retrato a partir de una descomposición que pretende lograr únicamente una estilización, la cual confiera un nuevo concepto de espacialidad en el que las figuras y su entorno adquieren dimensión volumétrica . Una voluntad, pues, intencionadamente estética con el único  afán de potenciar su  belleza:por una parte, expresar la musicalidad y poesía del color , es decir, una riqueza de tonos y semitonos, contrapuntos, rimas , paralelismos y antítesis ; por otra, el anhelo de otorgar, como los clásicos, protagonismo a  la captación de la luz pero todo ello desde una actual paleta de colores diáfanos y modernos. En definitiva, una sinfonía cromática sugerente y una nueva imagen plástica que puedan resultar atractivas ante la mirada  del espectador actual.

Esta nueva pero modesta actualización no pretende sino expresar mi admiración hacia los grandes maestros de la pintura y rendirles homenaje.



VÉASE SEGUIDAMENTE UNA MUESTRA , EL DETALLE DE UNO DE MIS CUADROS PERO TODA LA COLECCIÓN puede verse en el apartado de este blog, dentro de "MIS RECOMENDACIONES"   titulado  " MI EXPOSICIÓN"

INTERPRETACIÓN DE NICOLAS POUSSIN : " ACIS  Y  GALATEA "
Acrílico sobre lienzo, 82 x 102 cm

LA LITERATURA VERSUS ARTE. EL ARTE VERSUS LITERATURA

Tanto las Humanidades como las Artes son una interpretación del mundo: la Literatura, en este sentido, aporta una cosmovisión que abarca la ideología y cultura de una época ( Historia, Arte, Filosofía.....) y, por ello, invita a la reflexión y despierta la capacidad crítica. Siempre, desde niña, he sentido interés por el dibujo y, con los años y la formación humanística, se desarrolló una especial sensibilidad hacia el mundo del Arte. El Arte o la Literatura confieren otra visión a la vida : no se ve el mundo, se percibe. Y percibir el mundo significa sentirlo, vivirlo con todos los sentidos y ello nos dota de otra dimensión : más profunda, más vitalista; digamos, si cabe, más humana. Y si la vida es un permanente camino de aprendizaje, crear es un crecimiento que favorece el diálogo interior, los sentidos, un distanciamiento del mundo para interpretarlo y estimular las emociones.

De manera que , por decirlo de alguna forma, “vivo” los cuadros que interpreto y, para ello, desde el contexto histórico , desde la época artística, desde la biografía o el impulso personal del pintor.....surge mi propia génesis o interpretación del cuadro en cuestión.

Cada cuadro está “vivido”, “sentido” , es decir, expresado a través de una vivencia emotiva del color.......

Así pues, nace mi  interpretación de “Acis y Galatea” (1619) del pintor filósofo francés , Nicolas Poussin, pintor intelectual, culto y sofiticado, basado en un tema mitológico que, a su vez interpretó nuestro gran poeta renacentista, Garcilaso de la Vega (poema bucólico pastoril)....y también nuestro poeta barroco, Góngora.
 Galatea es una ninfa que vive junto al mar donde disfruta de sus amoríos con Acis. El gigante o cíclope, creado por Homero en la Odisea, se enamora de ellla y, celoso, mata al joven aplastándolo con una piedra. El final es platónico y desgarrador : las lágrimas de ella se juntan con la sangre de él y forman el río Acis:  quedan así unidos para siempre. (simbología que ha perdurado en la tradición literaria : el agua es vida). 
 Lejos de los excesos y extravagancias de la corte del Rey Sol y de los propios excesos del Barroco, las pinturas de Poussin son la máxima expresión del clasicismo del XVII. El cuadro recrea la escena de amor completa junto al mar pero yo he elegido únicamente el primer plano de los dos enamorados, abrazados, apreciándose la  sensualidad y carnalidad propias del Barroco  pero con la delicadeza  del clasicismo . He querido dejar la presencia en mi interpretación, en el margen superior derecho, de  la pierna del gigante, una sombra que  acecha y anticipa la inminente destrucción. Está presente pero  de una forma discreta, como una sinécdoque, con la intención de otorgar al cuadro toda la belleza y esplendor del amor.

Poussin se inspira en Rafael y Tiziano y  escoge una sinfonía de colores (tonos y semitonos) prodigiosa y exquisita. Durante al menos dos siglos, hasta finales del XIX, el modelo clásico de Poussin fue seguido por las academias de bellas artes de todo el mundo.

Su paleta me parece genuina y fascinante : me he deleitado explorando y creando unas ondulaciones cromáticas propias, de colores diáfanos, modernos  y muy vibrantes en la gama cálida (los rojos, los naranjas) y aportando, en la fría, nuevos matices azules y verdes .Desde este nuevo pentagrama de modulación de la luz, los amantes adquieren una sensual volumetría en el centro de un estallido de luminosidad poética. 

Original de referencia: Óleo sobre lienzo , 97 x 135 cm
NATIONAL GALLERY OF IRELAND (DUBLÍN)